Провокативните и напрегнати графитни рисунки на Катрин Мърфи се противопоставят на категорията, оставяйки зрителя да се замисли дали тя прави тясно абстракция или абстрахира реализъм.
от Лиза Динхофер
Косено поле 1985 г., графит, 14 x 17. Всички произведения на изкуството тази статия частна колекция освен ако не е посочено друго. |
Самотна торта в запалена фурна, стол, надраскан с котка, гърба на грубо опънато платно и купчина метене от мръсен под - това са необичайните, но толкова обикновени изображения на изключителния чертожник и художник Катрин Мърфи. Необичайно, защото избраните изображения рядко се представят като теми за големи, сложни, красиво изпълнени рисунки; и обикновени, защото изобразяват всекидневен, общ опит. В края на краищата кой не е помитал пода?
Катрин Мърфи наведнъж е минималистка, реалистка, майстор на северно-ренесансов стил и абстрактна художничка от 21 век. Възможно ли е това? Това противоречия ли са? Или различни фасети на един и същи скъпоценен камък? Нека вземем всяка идея поотделно: Мърфи композира своите снимки като абстрактни художници, наблюдава от живота, както прави художник-реалист, представя всеки детайл като майстор от Северния ренесанс и третира повърхността му еднакво - милиметър на милиметър - както би бил минималистичен. „Противоречието е пътят към хармонията“, каза Мърфи в скорошен телефонен разговор. Това може да е ключът към това, защо произведенията на Мърфи са заинтригували и омаяли света на изкуствата в Ню Йорк от началото на 70-те години.
Роден в Кеймбридж, щата Масачузетс, през 1946 г., Мърфи идва в Ню Йорк, за да учи, завършва Института на Прат и Школната школа по живопис и скулптура в средата на 60-те години. Времето тук е от решаващо значение. Късните 60-те и началото на 70-те бяха време на голям фермент на арт сцената в Ню Йорк. Това беше времето на абстракцията срещу представителността - никога двете не могат да се примирят, беше широко разпространената критична мисъл. Утвърдените и признати художници бяха абстрактните експресионисти. „Фигурата е мъртва, следователно фигуративната картина е мъртва!“Беше общият вик.
Никога не казвайте никога и никога не казвайте мъртъв. Алис Нийл, Филип Пърлщайн, Алекс Кац и Нийл Уеливър на Източното крайбрежие - заедно с Уейн Тибо, Дейвид Парк и Ричард Дибенкорн на Запад - съживиха фигурата. Представителната живопис беше преразгледана. По това време Катрин Мърфи достига пълнолетие. Първото й шоу в Ню Йорк беше в галерията за сътрудничество, наречена First Street. Тя бе бързо взета след това въвеждащо шоу от забелязания търговец Xavier Fourcade и сега е представена от Knoedler & Company от Ню Йорк. Мърфи е получил множество грантове и награди от организации като Фондация Гугенхайм, Фондация Инграм Мерил и Американската академия за изкуства и писма. Днес тя е старши критик в Йейлския университет в Ню Хейвън, Кънектикът и продължава редовно да показва своите произведения на изкуството. Най-новото й самостоятелно шоу на нови произведения на изкуството беше в галерия Knoedler през 2008 г.
разцепване 2007 г., графит, 36 x 42 1/2. колекция Фондация Максин и Стюарт Франкел за изкуство, Bloomfield Hills, Мичиган. |
Това, което отличава Мърфи като художник, е дъгата на нейния растеж от първите й известни рисунки през 70-те и 80-те години до наши дни. Косено поле (1985) е красива пейзажна рисунка без предразсъдъци, но безопасна. Зрителят е разположен на конвенционално разстояние от сцената, достатъчно далеч, за да разгледа това прекрасно пространство през просцениум арка от клони и слънчева светлина. Това е красив пейзаж, но предсказуем, който сме преживявали преди. Сравнете косеното поле с Сплит (2007). Вече не сме на безопасно разстояние, но вместо това сме принудени дълбоко в сцена, в която стволът на мъртво дърво е разцепен от човека и природата. Виждаме вътрешното му ядро и усещаме текстурата на гниещата му дървесина, докато се връща към земния под. Всяко зърно е изтеглено, всеки плевел е изложен. Скалата също се промени от малкия и интимен (14 "х 17") на окосеното поле до големите и агресивни стволове на дървета, които са изчертани на 36 "-x-42 1/2" повърхност. Мърфи избута изображенията ни в лицата ни. Станахме физически активен участник в нейната работа.
Това е радикално. Това е опасно. Малко художници питат толкова много от публиката си. В Oven Light се навеждаме, за да надникнем в отворена фурна при кекс с мехурчета, калай и всичко. Ъглите на рисунката са заоблени, за да подобрят това разпознаваемо преживяване.
Мърфи не прави никакви преки пътища при изобразяването си; няма празно място в нито една от нейните рисунки. Няма къде да си поемем дъх. Принудени сме да забавим темпото и всъщност да изпитаме всичко това. Много е трудно да се разхождаш бързо по някое от тези парчета. Това произведение на изкуството изисква време за разглеждане - и много време за създаване. Сплит отне три лета слънчеви сутрини, за да получи подходящата светлина, според художника. Светлината на фурната отне до шест месеца, като художникът всяка вечер замразява тортата в калай. Повечето рисунки на Мърфи са предназначени да бъдат готови парчета; те не са прелюдия към една живопис. Според някои художници рисунките могат да отнемат повече време, отколкото картина.
Много от рисунките на Мърфи изразяват момент във времето - тоест периодът между дадено действие и неговото разрешаване. В чертежа Разлив сме свидетели на счупена чаша с разлятото разливане на мляко върху дървена маса. Забелязваме разлива точно когато красиво отражение на прозореца удря басейна с мляко. Случайност? Едва ли. Никой от натюрмортите на Мърфи просто не се случва.
Светлина на фурна 2008 г., графит, 29 5/8 x 37. |
Визията може да е мимолетна, но изобразяването не е така. Конструирането на тази настройка е внимателно проектиран процес. Как съдържаш образа на разлято мляко в продължение на месеци, докато чакаш да видиш точно правилното отражение? В отговор Мърфи разля бял гесо върху масичка с дърво и го остави да се втвърди и изсъхне. Гесото за съжаление изсушава матово, което беше грешната повърхност за улавяне на светлината, така че Мърфи почисти акрилна среда отгоре, за да даде на разлива лъскава, отразяваща повърхност.
Първоначално според художника стъклото в рисунката е било неразчупено. „Рисунката не проработи“, казва художникът. „Бих влизал в студиото ден след ден, а просто не се получи. Накрая взех чук и разбих чашата и ето. Ето защо рисунките на Мърфи се чувстват незабавно. Те ни изненадват, защото художникът е готов да рискува шестмесечно парче с удара на чук. Сега Spill има сюжетна линия с насилие. Кой разля млякото и защо? Кой счупи чашата и как? Кой ще го почисти в такъв красив слънчев ден?
Всички последните рисунки на Мърфи са черно-бели и напълно тонални. Това са два различни избора. Тонална рисунка е тази, при която повърхността се натрупва във времето, заличава линиите, които разделят краищата на предметите към земята. „За рисунка, която може да отнеме месеци, отделям около час за началната линия.“, Заявява Мърфи. Един от начините за изучаване на техниката на художник е да се търсят области, които може да не са пълни. В тези области можем да наблюдаваме ръката на художника. В случая на Мърфи най-доброто място за гледане е в края на изображението, където линията на разграничаване се среща между бяла хартия и графит. Обикновено тази зона е покрита от постелката в рамка. Студентските рафтове, когато се наблюдават отблизо, разкриват силно натрупана повърхност от графит върху тежка хартия. Мърфи използва хартия Arches от ролка, обикновено 140-фунтови и 5B Prismacolor тюркоазени графитни моливи, заточени до точка на иглата. Тя изгражда графитната повърхност, като работи в тъмните, оставяйки бялото на хартията като най-лекия акцент. Понякога художникът работи отляво надясно, като постепенно нанася рисунката с графит и намалява с гуми, докато се постигне правилния ефект. Работата от руло хартия вместо отделни листове позволява на художника да избере размера и формата на равнината на картината си. Например: Studio Shelves е с размери 29½ "x 36 3/4", Split е 36 "x 42 1/2", а Swept Up е 25 5/8 "x 33 1/2".
Рафтове за студио 2008 г., графит, 29 1/2 x 36 3/4. |
Изборът на черно и бяло е значителен. Част от емоционалното преживяване на наблюдението се отнема чрез премахването на цвета. Тези рисунки стават публицистични в представянето си. Фокусът е върху обектите, връзките между обектите и светлината, която пада върху тях. Интересното е, че за да създаде достоен за стойност обект, художникът трябва да е добре запознат с цветовата реакция. Всяко сиво изобразява различен цвят - в Жълтите мъниста сивото на жълто мънисто е напълно различно от това на цвета на плътта на врата на гледачката или зеленото на блузата. Драмата е друг елемент, присъщ на черно-бялата рисунка с широк диапазон от стойности. Разказът на изображението става ключов, както в Scratches. Ето приказката за невиждана котка, семеен стол и унищожаването му.
Да искаш художник да назове изпълнителите, на които той или тя най-много се възхищава, е труден бизнес, главно защото вкусът и мнението се променят толкова често. Днешните влияния вероятно ще се променят сутринта. И така - питаме така или иначе. Отговорът на Мърфи на този въпрос беше интересен. Минималистичните художници Робърт Мангълд и Елсуърт Кели са основни влияния. При минималистичното рисуване и рисуване идеята става ключова, а стилът става без значение, защото има много малко, ако не друго, на повърхността. Това, което интересува минималистите, е геометрията на равнината на картината. Катрин Мърфи обича геометрията - това е начинът, по който тя съставя страницата си. Например, Swept Up представя овал от отломки с маркировки от метлата, насочени към този овал. Мърфи третира повърхността й равномерно отляво надясно и без промяна на фокуса това може да изравнява плоскостта на картината, както в някои минималистични произведения на изкуството. Но тук влиянието спира. За някои минимализмът е край. За Мърфи това е само началото.
разлив 2007 г., графит, 28 x 40. |
Истинската страст на Мърфи е в наблюдението - да бъде вярна на това, което вижда. Вярността на физическото виждане на човек носи цял набор от нови елементи на страницата, като най-малкото от тях са психологическите и физическите измерения на темата. Например гърба на Айлийн е геометрично изследване на гърба на жената. Да, но не може да се отхвърли фактът, че това е много луничка на гърба на жена на средна възраст, композицията изрязана на врата, за да фокусира вниманието върху раменете между презрамките на сутиена. Докосваме кожата ѝ с очите си. В Swept Up имаме изглед с мишка на купчина прах. Накратко, минималистите ни отблъскват, но Мърфи ни сближава и лични. Понякога твърде близки и твърде лични? Със сигурност тя ни показва пренебрегваните кътчета от нашия живот. В тези ъгли има поезия и музика. Но няма романтика - изкуството на Мърфи е изкуството на истинското и неподправено.