Прекарах много време в мътни класни стаи, разглеждайки слайдове, слайдове и още слайдове. Убеден съм, че цялата академична област на историята на изкуствата ще спре до без проектори, въртележки и, както се досещате, слайдове. Но това, което е странно в гледането на толкова много изображения е, че си мисля, че знам как точно изглежда дадена скулптура или картина, защото съм виждал снимка от нея.
От снимка до скица
Снимките никога не могат да ви разкажат пълната история на обект, пейзаж или лице на човек, но те са удобни ориентири за художниците. Реалността е, че повечето изпълнители използват снимки на източник в някакъв капацитет, когато работят, независимо дали да прехвърлят паметта си за определено място и време или да записват конкретни визуални детайли, които да бъдат включени в по-късни части.
Въпреки това, за да създаде успешно произведение на изкуството, художникът трябва да бъде внимателен и внимателен към това, което вижда или не вижда на снимка. Това започва с разбирането на ограниченията на референтните снимки.
Художникът Марк Хауърт го казва така: „Камерата не може да вижда като окото, когато става въпрос за точност на цветовете, дълбочина на полето и затопляне и охлаждане на светлините и сенките. Има много изкривяване, което идва заедно със снимки."
Художникът на пастел и инструктор Дениз ЛаРу Малке се съгласява. „Следването на снимка до„ T “е голяма грешка, защото камерата лъже“, казва тя. „Снимките могат да бъдат незаменими като точка за прескачане, но дори ако снимката е отлична, искате да преоткриете сцената, за да може една картина да работи.“
От една страна, Хауърт поставя по-малко акцент върху референтните снимки, отколкото върху предварителните скици, направени на място или бележки, написани в полето. „Когато пътувам през район, пиша това, което виждам“, казва той. „Бележките ми често ми дават това, което не мога да снимам. Снимките не дават тънкостите, които търся, за да заснема външния вид и усещането на място."
Когато Малке е на място и няма време да рисува, тя често ще прави същото - скицира и си прави бележки. Тя обаче признава, че понякога прави колкото се може повече снимки.
„Наличието на това множество снимки може да ви даде много работа“, казва тя. "Когато съм готов да започна парче, ще извадя от много различни снимки за вдъхновение и ще направя скици, за да се запозная с темата и композицията, за която работя."
Използването на фотореференции, правилния път
Попитах Хауърт и Малке, ако непрекъснатото препращане към снимки може да доведе до преумора или до картина, изпълнена с куп малки детайли, вместо сплотена композиция. И двамата художници знаеха точно какво имам предвид. "Това може да премине от рисуване до документиране", казва Хауърт. "Можете да вземете всички подробности и да се побъркате."
Друг момент, който двамата художници подчертаха, е важността да работят от снимки, които са направили сами. „Когато използвате чужди снимки, вие не рисувате свои собствени концепции, а само копирате“, казва Малке. „Казвам на учениците си:„ Работете от собствените си снимки - вашите идеи са там “.
Нещо повече, референтната снимка, независимо кой е щракнал върху затвора, не трябва да води до чувство за задължение да покаже точно какво е изобразено на снимката. Вместо това един художник трябва да се чувства свободен и вдъхновен да манипулира или да оставя след себе си референция по какъвто и да е начин, избран от него. Това гарантира, че има жизненост в едно произведение на изкуството и означава, че няма да пропуснете да видите - и да се надяваме, отново да заснемете - моментите, които ще направят картината страхотна.
С видеото на Маргарет Евънс в семинара на Pastel от ArtistsNetwork.tv имате достъп до три пълни демонстрации (и това са великолепни проучвания за зареждане!) На работа с референтни снимки. Ще можете да усъвършенствате уменията си с помощта на референтни снимки, излизайки с творческа и техническа храна за обмисляне на предимствата и потенциалните клопки на работата с фотографии, плюс получавате възможност да изследвате и прекрасна, жизнена рисунка с цветя. Наслади се!